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| 이 명 일 | biography | |||
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변할 수 있는 것과
변할 수 없는 것의 관계 속에서의
정체성(正體性)에 대한 모색 - 이명일의 전시에 부쳐 - 김
광 명(예술철학) 궁극적으로 예술이란 무엇이며, 특히 인간에게 있어 그것은 어떤 의미를 던지는가? 예술이란 인간의 삶과 세계에 대해 우리로 하여금 깊은 사색에의 길로 안내하는 하는 것이 아닐까 생각해 본다. 우리에게 삶과 세계에 대한 인식의 지평을 넓혀주는 것이 예술이라는 말이다. 사색은 곧 인식으로 연결된다. 이는 오랜 예술의 역사를 통해 밝혀진 바이기도 하다. 우리는 근원을 알 수 없는 시간과 공간 속에서 끊임없이 우리의 정체성(正體性)을 물으면 산다. 그리고 여러 작품들에서 그 정체성을 풀어가는 표현과 방법, 양식의 차이를 본다.
우리가 작가 이명일에게 주목하는 이유는 무얼까? 그는 9회의 개인전과 150여회의 그룹전에 참여하면서 자신의 고유한 언어를 찾고자 꾸준히 노력하고 있으며, 더욱이 최근에는 권위있는 예술가상의 평면부분에 최종후보로 거론될 정도로 어떤 문제지향성을 지니고 있다. 그에게서 표현형식의 변화는 바로 자신 안에서 내다보는 타자(他者)들의 모습으로부터 자신 안에서 그 스스로를 바라보는 모습으로의 전환으로 나타난다. 대상화된 자아가 반성적 자아로 바뀐 것이다. 안과 밖, 스스로와 타자라는 이중의 의미란 서로 관계적이며 이는 바탕과 상(像)으로 구성된다. 물론 바탕과 상(像)은 상호적이다. 이명일의 캔버스에서 바탕과 상의 역동성이 때로는 긴장관계를 이루기도 하지만 우리에게 사색의 여유를 주기도 한다. 그의 화면에 등장한 인간의 삶과 존재는 그 자신의 사유에 대한 긍정과 부정이라는 이중의 관념으로 갈등과 대립을 빚는다.
변화란
거부할 수 없는 시대의 운명이지만 그것은 단절의
의미보다는 연속의 의미를 지닌다.
평자가 보기엔 이명일은 늘 변화와 변모의 과정에 있어
왔으며, 작가 스스로도 항상 변할 수 있어야 한다고
생각하며 작업에 임하고 있는 것으로 알고 있다.
그러면서도 그가 추구하는 작업의 일관된 주제는
인간내면의 정신세계이다. 그가 말하는 정신세계 혹은
정신문화란 참된 나(眞我)를 찾아가는 구도자의 길이며,
순수한 영혼의 번뇌의 결과 얻어진 궤적인 것이다. 작가
특유의 공간구성에서 다양한 사유의 모습들을 엿볼 수
있다. 지난 10여년에 걸쳐 작업해 온 작품의 주제들은
작가 나름의 문제의식을 읽을 수 있게 한다. 이를테면,
<세 마리의 까마귀>(1993), <이 땅에 태어나서>(1996),
<군상>(1999), <아베마리아>(2000), <두 번의 만남>(2002),
<사랑>(2002), <삶>(2003), <존재하기 위함인가,
유지하기 위함인가>(2004)에서 작가내면의 세계와 밖의
세계, 본질과 현상과의 치열한 관계를 들여다 볼 수
있다.
특히 최근의 작업에서 보여주듯이, 그의 화면은 여러 측면과 각도로 들여다 본 얼굴모습으로 형상화되어 있거니와 정서의 혼성과 그 미묘한 변화를 일깨워 준다. 정서의 미묘하고 다양한 표출이 단순화된 얼굴모습으로 혹은 두상(頭上)의 모습으로, 어떤 경우엔 심장(心臟)으로 압축되어 표현되고 있다. 이 때 심장은 미적으로 승화된 감성적 표현의 모습을 담고 있다. 단순화되고 간결하게 다루어져 있지만 밀도있는 표현의 미(美)를 보여준다.
우리는 제시할 수 있는 것과 제시할 수 없는 것, 볼 수 있는 것과 볼 수 없는 것, 있음(有)과 없음(無) 그리고 변할 수 있는 것과 변할 수 없는 것의 이중적 관계 속에서 살고 있다. 존재 자체는 변할 수 없는 것이지만 존재하는 것들은 시간 속에서 변할 수밖에 없는 것이다. 예술은 존재하는 것들을 존재 자체와 관계 맺게 한다. 달리 말하면, 예술은 눈에 보이는 현상을 통해 눈에 보이지 않는 본질을 추구한다고 하겠다. 존재하는 것들을 가리켜 작가는 평자와의 대화 속에서 존재체(存在體)라 부른다. 작가는 이들 존재체를 사유하는 가운데 차분하게 드러내고 있다. 너무나 명상적으로 드러나 있기에 우리는 그것을 동양적 사유라고도 부를 수 있을 것이다. 관조와 명상 속에서 '나는 누구인가'라는 정체성을 묻게 된다. 조용한 공간구성을 통한 자기표현에서 여백의 미를 체험할 수 있다. 여기에서 우리는 그의 동양적 접근을 읽을 수 있다.
작가자신이 구하고자 하는 색을 찾기 위해 구도자적 인내심을 갖고서 색을 계속 켜켜이 쌓아가면서 미묘한 변화와 차이를 감지한다. 특히 빈틈없는 밑작업을 통해 화면과 상이 만나는 면의 독특한 효과를 드러낸다. 이러한 독특한 효과는 치밀한 그의 작가적 역량에서 비롯된 것으로 보인다. 나아가 우리는 이를 미묘한 차이의 질감이라고 부를 수도 있을 것이다. 작업에 투여된 노고와 공들인 시간을 보며 우리는 이명일에게서 작가로서의 성실하고 진지한 자세와 근성을 엿볼 수 있다. 무엇보다도 간결하고 밀도있게 표현된 최근의 그의 작품에서 가식없는 삶의 진솔한 모습을 볼 수 있다는 말이다. 그러할 때 우리는 작가의 삶과 작품을 공유하며 공감할 수 있을 것이다.
<글은
쓴 김광명선생은 서울대학교 철학과(미학전공) 및 동
대학원에서 미학을 전공하였으며, 독일 뷔르츠부르크
대학교에서 예술철학으로 박사학위를 받았다. 미국
템플대학교에서 교환교수를 역임하였고, 현재
숭실대학교 철학(예술철학)과 교수로 재직하고 있다. |
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